「レンブラント―晩年の作品」展

世界中で毎年多くの展覧会が開かれているが、時に、人生に一度しか見られない展覧会がある。現在、ナショナル・ギャラリーで開催中の「レンブラント―晩年の作品」展は間違いなくその中のひとつである。

画家の晩年に焦点を当てた展覧会には、自分の人生の終わりを意識して不安になる一人の人物像が浮き上がってしまう。レンブラントは金銭的な問題を抱え、正式に婚姻を結んでいない内縁関係の女性について教会から追及されてしまう。1656年には自己破産をし、豪邸と収集していた美術品や骨董品、そしてアトリエを手放さなければならなくなった。このような時期において制作意欲が削がれるだろうと想像することは難くない。しかし、展示された作品群からはそのような印象は全く受けない。意欲的に制作に取り組み、魂に訴えかけるような新しい芸術を模索する画家の姿が見えてくる。


展覧会はレンブラントが生涯にわたって取り組んだ自画像から幕を開ける。全80点の自画像から晩年に制作された7点が展示されている。《二つの孤のある自画像》（c. 1665-1669、fig.1)は自己破産して10年経ってから描いたものであるが、そこに描かれた絵筆とパレットを持って胸を張る姿からは、画家としての矜持が見てとれる。一方、亡くなる年に描かれた《63歳の自画像》は手を組み合わせてこちらに視線を向けている。この作品をX線撮影したところ、初めの構想では絵筆を持っていたことが分かった。温かな光に包まれたこの作品には、画家としての誇りも脱ぎ捨てた、より深いレンブラントの内面が表れている。

この展覧会は、２０１５年２月１２日から５月１７日までオランダ・アムステルダム
国立美術館（写真）に巡回。

この展覧会には有名作品だけでなく、素晴らしい作品にもかかわらずこれまであまり知られてこなかった作品も展示されている。《バタビア人の陰謀》（c. 1661-1662、fig.2）はレンブラントが描いた中で最大の作品（5x5m）である。この作品には「光と影の画家」と称されるレンブラントの力が遺憾なく発揮されている。人々の背に隠れているろうそくの金色の光が白いテーブルクロスに反射し、反徒たちの顔を下から照らしている。ほとんど褐色の絵の具だけで描き出したことも驚異的である。

この作品はバタビア人がローマ帝国に対して起こした反乱をたたえて描かれた作品群の一枚で、オランダ人たちはこのバタビア人たちが起こした反乱を、スペインからの独立をはかって1648年に終結する80年戦争を戦った自らの姿を重ね合わせている。しかしながら、レンブラントのこの作品は市庁舎に数ヵ月飾られただけで降ろされた。その理由は伝統的に隠されていた主人公のガイウス・ユリウス・キウィスの隻眼を描いたためとも言われているが、はっきりとはしていない。しかし、作品は返却され、支払いもなされなかった。その後、レンブラントはこの巨大な作品を売却するために約4分の1の大きさに切り取ったため、現在のサイズ（196×309㎝）になった。

本展覧会には自画像、歴史画、肖像画の他に内縁の妻ヘンドリッキェをモデルに何気ない日常生活の中に聖書の一節を紛れ込ませた作品など油彩画40点、素描20点、版画30点が出品されている。「レンブラント―晩年の作品」展は2015年の春には、レンブラントが生まれたオランダのアムステルダムにある国立美術館に巡回する。

「レンブラント―晩年の作品」展
2015年1月18日までロンドン・ナショナル・ギャラリーにて開催。
2015年2月15日から5月17日まで、アムステルダム国立美術館にて巡回。

ロンドン・ナショナル・ギャラリー　The National Gallery, London

Trafalgar Square,
London WC2N 5DN
The United Kingdom
+44 (0)20 7747 2885
www.nationalgallery.org.uk

開館時間:

月—木、土、日　10:00—18:00
金 　10:00—21:00
休館日　1月1日、12月24－26日

マーク・ロスコ

fig.1 Mark Rothko, Untitled (man and two women in 
a pastoral setting), 1940. National Gallery Washington

20世紀のアメリカ人画家マーク・ロスコの展覧会がデン・ハーグ市立美術館で開かれている。1950年代のクラシック・スタイルの作品だけでなく、いままでほとんど展示されていない初期作品にも一室が与えられている。そこには濁った色彩で描かれた肖像、静物画、街の風景などといった、一般的に知られた作品とは全く違うロスコ作品が並んでいる(fig.1)。

彼が抽象絵画を描くようになったのは1940年代のことである。第一次大戦中、ヨーロッパの芸術家たちがアメリカに亡命し、多様なヨーロッパ芸術が同時にアメリカにもたらされた。そのなかでロスコはシュルレアリスムやアヴァンギャルドに興味を寄せ、象徴的なアプローチを試みるようになった。シュルレアリスムへの興味は哲学―とくにニーチェ―への関心も掻き立てた。1940年頃には、絵画よりも言葉で自らの芸術を人々に伝えようと考え、描くことをやめてしまうこともあった。

fig.2 Mark Rothko (1903-1970), Untitled / Zonder titel,
1953, gemengde techniek op doek, 195 x 172,1 cm,
National Gallery of Art, Washington – schenking The
Mark Rothko Foundation, Inc. © 1998 Kate Rothko
Prizel & Christopher Rothko /Artists Rights Society
(ARS), New York c/o Pictoright Amsterdam 2014

しかし数か月後、ロスコは美術の世界に戻ってきた。絵画による自らの芸術表現を再び求めたとき、その作風は一変し、一見しただけでロスコの絵画だと分かる特徴的な画面が現れた(fig.2)。物体は姿を消し、色彩によって幸福や悲哀、恐怖、恍惚といった人間の普遍的な感情を表現することを追求した。

ロスコは色を塗り重ねることで奥行のある色彩を作り出した。黒い絵の具の合間から黄色やオレンジなど別の色彩が透けて見える。複数の色彩が塗り重ねることで互いに影響し合い、はじめは黒一色にみえた色面も次第に下に塗られた色彩の影響を受けてさまざまに色を変えていく。不安定で移ろいやすい色彩は鑑賞者の感情をダイレクトに揺さぶってくる。ロスコの画面を表現するときに使われる茫漠たる光といった言葉は、この不安定な色彩によって生み出されるものをさす。

ロスコは自分が制作しているときに感じているように、鑑賞者が絵画と一体化することを望んだ。彼が描いた巨大なカンヴァスの前に立つ者は、カンヴァスから滲み出した色彩―深みのあるバラ色、暖かい黄色、陰鬱な黒、―によって徐々に身体が染められ、次第に自分が絵画とひとつとなっていく感覚を味わうだろう。


「マーク・ロスコ」展は、2015年3月15日まで開催（月曜日休館）。

デン・ハーグ市立美術館　Gemeentemuseum Den Haag

Stadhouderslaan 41
2517 HV Den Haag
The Netherlands
http://www.gemeentemuseum.nl/en

開館時間:

火曜日-日曜日　11:00-17:00
休館日　毎週月曜日、5月5日、12月25日

《印象、日の出》～クロード・モネの傑作にまつわる真実の物語

Fig.1, Claude Monet, Impression, Soleil Levant, 1872,
oil on canvas, 50 × 65 cm, Paris,
Musée Marmottan Monet, Gift of Victorine
and Eugène Donop de Monchy,
1940 © Christian Baraja

「印象派」の名前が第一回印象派展に出品されたクロード・モネの《印象、日の出》(fig. 1)に由来することはよく知られた話である。この印象派の記念碑的な作品は有名であるがためにこれまで深い研究の対象とならず、いま現在でも多くの謎が残されている。描かれているのは「日の出」か「日没」か。描かれたのはいつなのか。サインには72年とあるが、実際は73年なのではないか等々。制作の過程、1874年の第一回印象派展の様子、また本作品がさまざまなコレクターの手を経て1940年にマルモッタン美術館に収蔵されるに至った経緯など、《印象、日の出》をめぐる多くの謎を解き明かそうとする意欲的な展覧会「《印象、日の出》～クロード・モネにまつわる真実」が、マルモッタン美術館で開催されている。

Fig. 2, Raoul Lefaix, L’Hôtel de l’Amirauté,
1928, Photograph on paper blued in the
album "Le Havre en 1928", 20 x 14.5 cm,
Le Havre, Bibliothèque Municipale
© Bibliothèque municipale du Havre

「ル・アーヴルの窓から描いた作品だった。それは霧の中に太陽があり、その前にはいくつかのマストが立っている。彼らはカタログに載せるために題名を知りたがったが、『ル・アーヴルの眺め』という題をつけることはできなかった。そこで『印象』を使えと言った」

モネが正確に「いつ」「どこで」《印象、日の出》を描いたのかという謎に迫ったのは、テキサス州立大学の天体物理学者ドナルド・オルソン教授である。まず彼はこの作品がフランスの北西部の大西洋に面する港町ル・アーヴルに建つホテルの窓から描かれたとの資料が残っていることから、当時のル・アーヴルの地図と400点以上もの写真とポストカードを参考にしてホテルを特定した。そのホテルとは「グラン・ホテル・ドゥ・ラミラウテ・エ・ドゥ・パリ（Grand Hôtel de l’Amirauté et de Paris）」(fig. 2)である。作品ではクレーンやマストを下に見て描かれていることから、部屋は４階か５階であったと推定した。

部屋の窓から望む方角が東であるので描かれた太陽は日の出だということ、そしてこの位置を太陽が通過するのは11月中旬と1月下旬だということが判明した。そのほか大型船が描かれていることから潮の満ち引きについて調べ、天候や風向きなどから1872年11月13日午前7時35分と1873年1月25日午前8時5分の２日に絞られた。そしてオルソン教授をはじめ本展覧会の学芸員らはモネのサインの横に「72」と書いてあるので、モネが描いたのは1872年11月13日午前7時35分がもっともふさわしいと結論づけている。

会場には《印象、日の出》を含むモネの作品26点とモネに絵画の手ほどきをしたブーダンや、ともに印象派展に出品したルノワールやピサロなどの作品35点、そして歴史的資料61点が展示されている。第一回印象派展から140周年を迎える今年、印象派の歴史に新たな一石を投じる展覧会である。

「《印象、日の出》～クロード・モネにまつわる真実」展は、2015年1月18日まで開催。

マルモッタン美術館　Musée Marmottan Monet

2 rue Louis Boilly
75016 Paris
France
http://www.marmottan.fr/uk/

開館時間:

火曜日-日曜日　10:00-18:00（火曜日は‐21:00）
休館日　月曜日、1月1日, 5月1日、12月25日

「晩年のターナー」展

fig.1, J.M.W. Turner, Rain, 
Steam, and Speed – The Great Western Railway,
1844, ©The National Gallery, London

西洋美術史に燦然と輝く風景画の傑作≪雨、蒸気、スピード グレート・ウェスタン鉄道≫(fig.1)は、今日でもなお英国最高の画家と称えられるターナーの作品である。雨のなか、近代化の象徴である蒸気機関車が蒸気をあげて、テムズ川に架かるメイドンヘッド橋を渡っている。光と風の動きによって、疾走する機関車の様子が巧みに表現されている。機関車の前には必死に線路を横切る野ウサギ、左側のテムズ川には一艘の小船が浮かんでいて、どちらも蒸気機関車の近代性とスピードとは対象的である。近代絵画の幕開けを告げるこの作品を描いたのは、ターナーが何歳のときであっただろうか。瑞々しい感性を湛えた青年期だろうか、それとも円熟を迎えた壮年期だろうか。

ターナーがこの作品を描いたのは1844年、69歳になる年だった。弱冠26歳のときに英国美術界の権威であるロイヤル・アカデミーの正会員にもなった早熟の画家とも呼べるが、その後も研鑚を続け、生涯を終える76歳まで新たな表現を探求し続けたゆえに生まれた作品である。

fig.2, J.M.W. Turner, Ancient Rome;
Agrippina Landing with the Ashes of Germanicus,
exhibited 1839, oil paint on canvas, support: 914 x 1219 mm,
frame: 1230 x 1530 x 140 mm, Tate.
Accepted by the nation as part of the Turner Bequest 1856

ロンドンのテート・ブリテンでは、ターナーが60歳を迎える1835年から、その生涯を閉じる1851年までの画業に焦点を当てた「晩年のターナー」展が開催されている。世界最大のターナー・コレクションを誇るテート・ブリテンを中心に、世界中の美術館の協力により150点の作品が集められた。

彼は神話や歴史の舞台として描く歴史的風景画からロンドン近郊の親しみやすい風景まで、あらゆる種類の風景画を描いた。またその対象も英国内にとどまらず、ヴェネツィアやローマ古代遺跡の景観など、旅行で訪れたさまざまな場所を描いている(fig.2)。研究対象が幅広いターナーであるが、その画業において一貫しているのは光の表現の追究である。晩年の作品では、光あふれる空間の中にすべてを溶け込ませるように描いている。当時、先鋭的過ぎると批判されたこの光の表現方法は、後年、モネなどの印象派の画家たちに大きな影響を与え、今日でもターナー作品のなかで最も評価の高い時期とされている。


「晩年のターナー」展で見られるターナーには、老いによる制作意欲の衰えや悲観的なようすは微塵も感じられない。自然の劇的な変化や近代化による生活の変貌の様子を光のなかに描き出すべく旺盛に制作を続けた彼の姿が見える。

「晩年のターナー」展は、2015年1月25日まで開催（無休）。

テート・ブリテン　Tate Britain

Millbank
London SW1P 4RG
United Kingdom
http://www.tate.org.uk/visit/tate-britain

開館時間:

10:00－18:00
休館日なし

マウリッツハイス美術館、リニューアル・オープン

図2 Fotograaf: © Ronald Tilleman, Credits: Mauritshuis, Den Haag

2年間の改修工事を経て、6月27日、マウリッツハイス美術館が開館した。この改修工事は、美術館と道を挟んで隣接する旧プライベートクラブの建物の一部が貸し出されたことにより実現した。（図1）これら二つの建物は新しく作った地下ロビーでつながっている。旧来の美術館には以前のようにレンブラントやフェルメールをはじめとするオランダ黄金時代の作品が常設展示され、新翼棟には企画展示室や子供用のレクチャールームや図書館などが新設され、教育施設の拡充がはかられた。

図1 マウリッツハイス美術館本館と新翼棟

旧来の建物の改修工事では、往年の姿を再現することに主眼が置かれた。ヤーコプ・ファン・カンペンの設計による17世紀のオランダ古典様式を代表する建物は塗装しなおされたことで、シンメトリーで直線的なデザインが以前よりも際立つようになった。内装は1704年に一度火災で焼失したのちに18世紀初頭に修復されているのだが、建築当時ではなく、18世紀の様式を取り入れた改装がなされた。漆喰の壁は塗りなおされ、壁紙は美しい模様が編み込まれたシルクの布に張り替えられている。

この長い閉館中に修復されたのは建物だけではない。空調設備や照明なども一新された。また、壁画装飾の一部として組み込まれている天井画なども取り外され、保存・修復処置がなされた。黄金の間を飾るイタリア人画家ペリグリーニの作品は、以前使用されていた石炭ストーブから出た煤によって灰色がかった色に変色してしまっていた。今回の修復によって濁ったグレーの膜が除去され、本来の柔らかな色彩を放つようになった。(図2)

図3 Johannes Vermeer, Girl with a Pearl Earring,
c. 1665, Mauritshuis, The Hague.

展示室では17世紀オランダの黄金時代を代表する画家たちの作品が、ほぼ改修工事前と同じ場所に展示されている。レンブラントの《テュルプ博士の解剖学講義》、フェルメールの《真珠の耳飾りの少女》(図3)《デルフトの眺望》をなど、オランダ17世紀の黄金時代を代表する絵画が新しくなった美術館に戻ってきたのだが、まるで「ここが私の家だ」というようにしっくりと馴染んでいる。美術館館長エミリー・ゴーデンガーは「マウリッツハイス美術館の魅力は、所蔵する作品と調和した家のような規模の美術館であること」と語っている。2年の時を経て、小さく愛らしい真珠のような美術館がふたたび新しい輝きを放ちだした。

6月27日の美術館のオープニングの様子がYoutubeで公開されている。フェルメールの《真珠の耳飾りの少女》が美術館の改装中に世界中を旅してきたことがユーモラスに表現され、そのあとで美術館の内部の様子が少し紹介されている。

マウリッツハイス美術館　Mauritshuis Museum

Plein 29
2511CS, Den Haag
The Netherlands
http://www.mauritshuis.nl/en/
来訪案内(日本語）
http://www.mauritshuis.nl/en/bezoekinformatie-japans/

開館時間:

火ー日：10:00－18:00
木：10:00－20:00
月：（2014年11月1日まで）10:00-18:00

雅宴画 ワトーからフラゴナールまで

ジャックマール=アンドレ美術館は、エドゥアール・アンドレと妻ネリー・ジャックマールが彼らの審美眼をもとに集め続けた美術品を、生活の中で愛でるために模様替えと増改築を繰り返して創り上げたパリ屈指の華麗な邸宅である。そこでは、彼らのコレクションを中心として、約60点を展示する「雅宴画 ワトーからフラゴナールまで」が開催されている。

図1 Antoine Watteau (1684 - 1721), Récréation galante,
ca 1717-1719, oil on canvas, 114,5 x 167,2 cm,
Berlin, Staatliche Museen zu Berlin, Gem_ldegalerie,
© BPK, Berlin, Dist. RMN-Grand Palais / Jörg P. Anders

18世紀初頭、フランスではそれまでの重厚な宗教画や歴史画などに代表されるバロック様式に代わり、軽妙洒脱で優雅な曲線で構成されるロココ美術が花開いた。そのなかで美しい自然や庭園で繰り広げられる男女の恋の戯れを描いて流行を博した画題が「雅宴画」である。その中心的な役割を担った画家はジャン＝アントワーヌ・ワトーであった。フランドル地方に生まれた彼は、若い頃パリに出た。ワトーはパリで流行していた優雅な衣装を身に纏った男女を、豊かな緑あざやかな花が咲き誇るフランドルの伝統的な牧歌的な風景の中に描いた。詩的で空想的な雰囲気が、ロココ調の洗練された曲線と明るい色彩により醸し出されている。(図1)

ワトーには弟子がいなかったが、1710年代後半には多くの画家たちが彼の作品を模写し、彼の作風に影響を受けた作品を手がけるようになった。ニコラス・ランクレはワトー作品に最も影響を受けた画家である。ランクレは当時流行の衣装デザインや同時代の人々がすぐに認識できる場所など現実世界の要素を絵画世界に採り入れた。例えば、《パートナーと踊るマリー・カマルゴ嬢のいる雅宴画》の中央で踊る女性はパリのオペラ座のスター、マリー・カマルゴである。彼女は軽やかなステップを得意とし、18世紀バレエに様々な新しいステップを加えた。彼女は複雑なステップを踏みやすくするために、くるぶしを隠すくらいまであったスカートの丈をふくらはぎのあたりにまで短くした。絵の中で彼女が身に着けるスカートは短く、トゥシューズを履いているのがわかる。

図2 Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), La Fête à Saint-Cloud,
ca. 1775-1780, oil on canvas, 211 x 331 cm, Paris,
collection Banque de France, © RMN-Grand Palais / Gérard Blot

18世紀の後半になっても雅宴画の人気は衰えず、さらなる繁栄を迎えた。芸術の後援者であるパトロンらが邸宅を装飾する絵画を求めるようになると、それらに寸法を合わせた大型作品が制作されるようになった。ジャン=オノレ・フラゴナールが卓越した筆で描いた《サン＝クラウドの宴》(図2)は特筆すべき作品である。広大な庭園のなかに、演劇やダンスなど思い思いに余暇を楽しむ人たちが描かれている。そのなかでもっとも目を引くのは中心に描かれた噴水である。勢いよく高さ5m以上も噴き上げる噴水は、非日常的な宴の空間を創り出している。 ここにワトーから始まった雅宴画の頂点が築かれた。

ジャックマール・アンドレ美術館　Musée Jacquemart-André

158 Boulevard Haussmann
75008 Paris
France
+33 1 45 62 11 59
http://www.musee-jacquemart-andre.com

開館時間:

火ー金、日：10:00－18:00
月、土：10:00－20:30
無休

ヴェロネーゼ展

図2 X7484, Paolo Veronese (1528-1588), Portrait of a Lady,
known as the "Bella Nani", about 1560-5, Oil on canvas,
119 × 103 cm, Musée du Louvre, Paris (R.F. 2111),
© RMN (Musée du Louvre)/All rights reserved

16世紀のヴェネツィア・ルネサンスを代表する画家ヴェロネーゼの展覧会がロンドン・ナショナル・ギャラリーで開催されている。ヴェロネーゼのフレスコ画装飾、祭壇画、肖像画などの収蔵品10点と、欧米から貸与された約50点の作品が展示されている

石工の息子として1528年に生まれたパオロ・カリアーニは、後に誕生の地ヴェローナにちなんでヴェロネーゼで呼ばれるようになった。早くから優れた才能をあらわし、10代の後半にはヴェローナの貴族たちのために作品制作を行った。ヴェネツィア派の画家として知られているヴェロネーゼだが、生まれたのはヴェネツィアから西へ100キロほど離れたヴェローナであり、ヴェネツィアに移ったのは30歳を間近に控えた1555年ときであった。

《エマオの晩餐》（1555年頃、図1）で描かれているのは、ヴェネツィアのとある貴族一家がエマオの夕食に参加している場面である。画面中央に座るキリストは目を天に向け、左手に持つパンを祝福している。ヴェロネーゼは中央でなされている聖書中の出来事にことさら注目を集めることはしていない。右側にはキリストに無関心な一家がおり、手前には犬と戯れる可愛らしい子どもたちが描かれている。ヴェロネーゼは神聖なる神の世界を描いたというよりも、当時のヴェネツィアの日常生活の中にキリストを描いている。キリストと使徒らは古代風の衣装だが、彼ら以外の人々は同時代の衣装である。

図1 X7483, Paolo Veronese (1528-1588), The Supper at Emmaus,
about 1555, Oil on canvas 290 × 488 cm, Musée du Louvre, Paris (146),
© RMN (Musée du Louvre)/Gérard Blot

ヴェロネーゼが制作した肖像画の中でも傑作を称賛されるのが《女性の肖像（ラ・ヴェッラ・ナーニ）》（1560－1565年頃、図2）である。モデルとなった人物は分かっていないが、その衣装からヴェネツィアの上流階級の女性で、左手に指輪をしていることから花嫁だと考えられている。彼女は上質な青のドレスに身を包み、ルビーやサファイアを配した指輪やブレスレット、真珠のネックレス、肩には金の装飾をつけている。アクセサリーは素早く軽い筆致で描かれており、その自由で大胆な描き方はまさしく天才である。

ヴェロネーゼの作品は格別に色彩が美しい。17世紀の批評家は彼の華麗な色彩を、金に最高級の真珠、ルビー、サファイア、そして最上級のダイヤモンドを混ぜていると評している。とくに《レヴィの饗宴》（1573年）などの祝祭画は、ヴェネツィアの華麗さと豊饒さをもっとも饒舌に表現している。

ヴェロネーゼ展は6月15日まで。

ロンドン・ナショナル・ギャラリー　The National Gallery, London

Trafalgar Square,
London WC2N 5DN
The United Kingdom
+44 (0)20 7747 2885
http://www.nationalgallery.org.uk/

開館時間:

土ー木：10時－18時
金：10時－21時

休館日:

1月1日、12月24—26日